Attaque et relachement

Parmi les nombreuses choses qu'il faut travailler en groupe, je vais vous parler aujourd'hui de l'attaque et du relâchement. En anglais ça sonne mieux : Attack and Release. Mots bien connus des ingénieurs du son puisqu'il s'agit également de paramètres utilisés pour régler un compresseur.

L’idée principale derrière ces termes est une fois de plus la cohésion du groupe.

Il s'agit de gérer le timing précis des débuts de notes (attaque) mais aussi des fins de notes (relâchement). 

Débuts et fins de morceaux :

L'importance du leader

Nous vivons en démocratie, c'est vrai. Nous avons quand même des dirigeants. Quel que soit le jugement que l'on puisse porter sur nos dirigeants actuels, il faut bien reconnaitre que quelqu'un doit diriger le navire.

De la même façon, il est impératif dans un groupe de musique de déterminer qui est le leader. Tout le monde a le droit à la parole, mais les progrès du groupe seront nettement plus mesurables si une personne déterminée prend les rennes.

Le leader

Ce n'est pas un rôle facile. Il faut diriger le groupe pour qu'il tende vers ses objectifs (progrès, concerts, album, groupies...) et ne s'en éloigne pas.

Le choix du leader se fait souvent de façon naturelle, tacite, mais il importe que tout le monde se mette d'accord. Cela permettra d'éviter des conflits de pouvoir (mais pas tous...).

S'enregistrer : pourquoi ?

S'enregistrer est une étape incontournable pour tout groupe de musique qui se respecte, et ce pour de multiples raisons.

Il existe différents niveaux de qualité et de temps consacrés à l'enregistrement :

• en répétition,
• pour faire une démo, une maquette,
• en vue d'une distribution 

S'enregistrer en répétition

Ici, la qualité sonore de l'enregistrement importe peu, il s'agit essentiellement de conserver une trace des morceaux travaillés. Lorsque l'on joue, on se concentre forcément un minimum sur son jeu. Pouvoir réécouter le rendu global d'un morceau permet de prendre du recul sur la qualité des arrangements et de faire le tri sur ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. La qualité de l'interprétation est également jugeable.

Peaufinez vos intros et fins de morceaux

Aujourd'hui, un nouveau conseil qui vous permettra de gagner en cohésion

Pourquoi ?

L'intro fait passer de "rien" à "quelque chose", cela marque l'esprit de l'auditeur. 

C'est encore plus vrai pour le début d'un concert ou d'un album. 

Un de mes meilleurs souvenirs d'auditeur est d'ailleurs le début magique d'un concert d'Interpol bien que le reste du concert fut très bien. 

La fin d'un morceau fait passer de "quelque chose" à "rien". Là ce qui marque, c'est quand c'est raté...

En plus, comme, il y a rien, on peut en parler à son voisin.

  

Comment ?

Laissez de la place au chant

Les groupes amateurs et débutants ne se rendent pas assez compte de l'importance de la place du chant dans leur morceaux.

L'attention du public en général (je ne parle pas du guitar geek) se focalise sur le chant.

D'où l'importance toute particulière qui doit y être apportée.

Le chant et les arrangements

 

Dès la mise en place des morceaux, il convient de laisser au chant une place entière.

Conseils :

• Ne masquez pas le chant avec d'autres instruments mélodiques : lignes de guitare, piano, cuivres, chœurs, ...
• Adaptez l'octave joué par les instruments pour laissez sa place au chant, comme je l'expliquais dans un précédent article.
• Utilisez la technique question/réponse : la ligne mélodique "répond" au chant ou inversement. Chacun joue donc à son tour.
• Si une ligne mélodique est superposée, il vaut mieux utiliser une technique de contrechant  : ligne mélodique secondaire réalisant une harmonie avec la ligne principale. La mélodie secondaire soutient la mélodie principale et n'entre pas en compétition.

Second mariage : guitare rythmique et caisse claire

Dans un groupe, il parait évident que tout le monde doit jouer ensemble. Mais il est nécessaire de travailler cette cohésion.
Il est impératif pour cela d'écouter jouer les autres membres du groupe lorsque l'on joue. Un débutant aura des difficultés à se concentrer à la fois sur son jeu et sur le jeu des autres. Des repères très simples permettent de progresser rapidement.

Je vous ai déjà parlé de la cohésion nécessaire entre la basse et la grosse caisse.
Aujourd'hui, c'est de la caisse claire qu'il s'agit.

Mariage sous la ceinture : Souder la basse et la grosse caisse

Dans un article précédent, j'évoquais la répartition des différents instruments dans le spectre des fréquences audio.

Les fréquences graves étant dominées par la guitare basse et la grosse caisse dans la plupart des groupes, il est très important que ces deux éléments soient en parfaite cohésion. C'est d'ailleurs souvent l'association des deux qui va apporter ce que l'on va qualifier de "Groove".

Comment gérer la cohésion entre la basse et la grosse caisse ?

Chacun sa place : Conseils pour répartir les instruments sur le spectre audio

Le spectre des fréquences

Sans rentrer dans des considérations trop physiques, le son se transmet sous forme d'ondes.

Chaque onde se propage de façon périodique à une vitesse constante dans un même milieu (la vitesse du son dans l'air).

 La période est le temps écoulé entre le maximum de 2 ondes successives. La fréquence est le nombre d'ondes qui surviennent dans un temps donné (le plus souvent dans une seconde, l'unité de mesure de la fréquence est alors le Hertz, noté Hz).

L'oreille humaine perçoit les sons dans une plage de fréquence d'environ 16 Hz à 20000 Hz.

Ce que l'on perçoit comme "grave" correspond aux fréquences basses.

Ce que l'on perçoit comme "aigu" correspond aux fréquences hautes.

En langage d'ingé son , ça donne à peu près ça :

Jouez dynamique !

Qu'est-ce qu'on entend par dynamique ? 

C'est réussir à changer intentionnellement le volume de ce qu'on joue au sein d'un morceau tout en conservant intensité et tempo.

Tout cela pour permettre à la chanson de respirer et de capter l'attention.

Jouer toujours à fond lassera votre auditoire.

La principale différence entre un groupe amateur et un groupe professionnel va se jouer sur la dynamique de jeu.

Comment faire?

Lors de l'écriture de la structure d'un morceau, il convient de déterminer comment chaque partie sera jouée.

Pour cela, on peut arbitrairement graduer le volume que l'on souhaite, par exemple sur 5 points : 1, c'est le plus faible et 5 c'est le plus fort.

Chaque musicien s'efforcera alors de respecter ce paramètre.

Comment tu joues cette partie ? Mettez-vous d'accord.

Jouer en groupe de façon cohésive et efficace, c'est du travail.

Il n'est pas rare que sur de nombreux passages de morceaux, chacun fasse un peu sa sauce.

Au final, l'auditeur aura la désagréable sensation que vous ne jouez pas ensemble ou que vous n'êtes pas carrés.

Un moyen simple et efficace pour y remédier,  c'est de s'arrêter pour se mettre d'accord.

Mon conseil : 

Comment trouver des dates pour ses premiers concerts ? Quelques conseils

A qui s'adresser ?

• patrons de bar, campings, auberges de jeunesse...
• associations culturelles, de jeunes ...
• structures culturelles des municipalités
• connaissances qui organisent une fête ou une soirée privée
• groupes de musique (cf. plus bas)
• lycées
• tremplins musicaux

Ratissez large et ne soyez pas difficiles, toute expérience est bienvenue.
  
Comment ?

• déplacez-vous, rien ne vaut un contact direct, 
• téléphone, en 2ème option
• internet,  mail, bien après un premier contact mais rarement suffisant seul. 

Quel message faire passer ?

Faire une reprise : le chanteur doit choisir la bonne tonalité

Faire des reprises, c'est très bien :

• ça permet d'apprendre à jouer, 
• pas besoin de composer, 
• le public reconnait et est content.

Mais, tout le monde n'est pas Bono de U2, Adèle !

Évitez, je vous en prie, de chanter faux sur un titre connu par le public, même si celui-ci est connu pour être difficile à chanter, ça passera toujours très mal.

Par défaut, les groupes vont jouer les reprises dans leur tonalité d'origine pour différentes raisons :

• les musiciens ont appris à jouer sur le CD ou sur une partition, 
• le chanteur ou la chanteuse s'est entrainé à chanter sur le CD ou sur le titre qui passe en boucle à la radio.

C'est une erreur extrêmement fréquente et vous remarquerez que d'une façon générale, les chanteurs auront plus de difficultés avec des passages aigus et les chanteuses avec des passages graves.

Voici donc mon conseil :

Ce qu'un guitariste doit avoir/faire pour optimiser son temps passé au studio

Passer en studio pour un enregistrement, n'est pas inné.

J'ai été même assez surpris de rencontrer des guitaristes professionnels n'ayant aucune expérience de studio.

Je vous propose donc quelques règles afin de ne pas être pris au dépourvu et de ne pas perdre de temps en studio, temps qui, comme chacun sait, a un coût.

Le guitariste et son matériel :

• amener le maximum de matériel en studio (amplis, guitares), surtout si plusieurs pistes sont prévues, cela permettra de faire ressortir chaque piste au mieux dans le mix,
• vérifier que son matériel fonctionne avant de l'amener,  vérifier la charge des piles, que ses jacks sont opérationnels,
• changer ses cordes quelques jours avant la session,
• avoir des cordes de rechange, 
• avoir des médiators, 
• avoir des protections auditives, une journée de studio peut être longue et fatigante pour les oreilles, 
• s'accorder dès la moindre pause, entre chaque prise, chaque morceau.